Dans un paysage de la mode souvent dominé par la rapidité des tendances et l’éphémère des images, certaines trajectoires s’inscrivent dans une temporalité différente. Elles ne cherchent pas uniquement à produire des silhouettes, mais à interroger ce que signifie créer depuis une mémoire, une culture et une histoire personnelle. Le parcours de Manal Ajaj appartient à cette catégorie rare où la couture devient une forme de narration silencieuse, une manière de traduire un héritage en langage contemporain.
Née en Syrie, elle commence très tôt à développer une relation intime avec la matière textile. Avant même que la mode ne devienne un territoire de reconnaissance professionnelle, elle apparaît comme un espace d’apprentissage, presque un geste instinctif. Ce rapport précoce à la couture ne relève pas seulement d’une vocation technique : il révèle une sensibilité à la texture, au détail et à la construction, qui deviendra plus tard la signature d’un univers visuel précis.
Très jeune, elle quitte son environnement d’origine pour travailler dans le Golfe, où elle affine son regard et consolide une expérience professionnelle structurante. Cette phase marque une étape essentielle : elle y apprend la rigueur du métier, la relation avec une clientèle internationale et la capacité d’adapter une vision personnelle à des contextes culturels variés. Mais au-delà de l’apprentissage commercial, c’est une réflexion plus profonde qui se dessine : comment préserver une identité esthétique sans la figer dans une nostalgie décorative ?
Au fil des années, Manal Ajaj développe une esthétique reconnaissable, fondée sur une tension subtile entre tradition et modernité. Ses créations s’inspirent des textiles orientaux classiques — brocarts, tissus damassés, broderies minutieuses — qu’elle réinterprète dans des silhouettes contemporaines. Ici, l’héritage ne se présente pas comme une citation littérale, mais comme une mémoire vivante, capable de se transformer sans perdre sa densité symbolique.
Cette approche témoigne d’une compréhension profonde du vêtement comme espace de dialogue. Les matières choisies, les jeux de transparence, l’usage du fil doré ou du travail artisanal ne cherchent pas à reproduire un imaginaire folklorique. Ils construisent plutôt une grammaire visuelle où la tradition devient un vocabulaire ouvert, capable d’entrer en résonance avec les codes internationaux de la couture.
Dans un contexte global où la mode tend parfois vers une uniformisation esthétique, son travail affirme une singularité discrète. Loin d’une recherche de spectaculaire immédiat, ses pièces privilégient la structure, la précision et une forme de féminité qui refuse les simplifications. La silhouette apparaît comme un territoire d’équilibre : entre force et délicatesse, entre mémoire culturelle et projection vers l’avenir.
Le passage vers des scènes internationales, notamment à Paris, marque un moment symbolique dans sa trajectoire. Présenter des créations dans la capitale française ne constitue pas seulement une étape professionnelle, mais un déplacement symbolique. Paris, lieu historique de la haute couture, devient ici un espace de traduction culturelle où une identité issue du Moyen-Orient dialogue avec une tradition occidentale de la mode. Ce moment révèle une dimension essentielle de son parcours : la capacité à traverser les frontières sans renoncer à l’origine.
Cependant, réduire son travail à une simple reconnaissance internationale serait insuffisant. Une autre dimension mérite d’être soulignée : son engagement dans la transmission. Pendant la période de confinement mondial, elle lance des initiatives éducatives destinées à former de jeunes créateurs, offrant un accès gratuit à l’apprentissage de la couture. Cette démarche souligne une vision élargie du rôle du designer : créer ne consiste pas uniquement à produire, mais aussi à partager un savoir, à ouvrir des espaces de possibilité pour une nouvelle génération.
Cette dimension pédagogique inscrit son travail dans une logique de responsabilité. Dans un monde où l’industrie de la mode est souvent critiquée pour son rythme accéléré et ses excès, l’idée de transmission apparaît comme un geste de résistance douce. Elle rappelle que la couture est aussi une discipline artisanale, fondée sur la patience et la maîtrise, loin de la consommation instantanée.
À travers ses collections, une réflexion plus large sur la féminité se dessine également. Les silhouettes proposées ne cherchent pas à imposer un modèle unique, mais à offrir une pluralité d’expressions. La femme imaginée par Manal Ajaj n’est pas une figure figée : elle évolue, traverse des identités, assume des contradictions. Le vêtement devient alors un espace d’affirmation personnelle plutôt qu’un simple objet esthétique.
Cette vision rejoint une transformation plus générale de la mode contemporaine, où la notion d’identité se complexifie. Créer aujourd’hui implique de naviguer entre plusieurs appartenances, plusieurs récits culturels. Dans ce contexte, son travail apparaît comme une tentative de réconcilier héritage et modernité sans hiérarchie, en laissant coexister plusieurs temporalités dans un même geste créatif.
Ainsi, le parcours de Manal Ajaj ne se résume pas à une succession de collections ou de défilés. Il se lit comme une trajectoire de transformation continue, où chaque création devient une étape dans un dialogue plus large entre passé et présent. La couture y apparaît non comme une finalité, mais comme un langage en mouvement ,un espace où la mémoire textile rencontre l’imaginaire contemporain pour inventer de nouvelles formes de présence.
Portail de l’Orient — Bureau de Paris.
